Auteur/autrice : Sabrina Mommolin

5e journée des doctorants du PRSH

“Centres et centralités en sciences humaines et sociales”

13 décembre 2018

(salle Madeleine de Scudéry – PRSH – Université le Havre Normandie)

 

Programme

 

Accueil des participants, 9h30

Sonia Anton (Le Havre Normandie) – Introduction, 10h-10h20

Arthur Laisis (EPHE/Le Havre Normandie) – Centre et périphérie en linguistique historique, 10h20-10h55

Édouard Denis (Le Havre Normandie) – Centralisation, décentralisation : l’État français face à un syndrome d’Œdipe ?, 10h55-11h30

Pause (11h30-11h50)

Florie Imbert-Pellissier (EHESS/Centre Norbert Elias) – Le terroir marseillais au XVIIe siècle : une périphérie aux centralités multiples ?, 11h50 – 12h25

Félix Lefebvre (Lille 1/Université Polytechnique des Hauts-de-France) – Une hiérarchie alternative des espaces : différents régimes de pratiques et représentations de la ville à Ouagadougou à travers le rapport centre/périphérie, 12h25-13h

Déjeuner, 13h -14h30

Mohammadali Vosooghidizaji (Le Havre Normandie) – Coordination de la chaîne d’approvisionnement décentralisée, 14h30-15h05

Jérémy Innebeer (Université du Littoral Côte d’Opale) – Quelles définitions et quels enjeux de la notion de centralité dans un contexte de revalorisation des centres-villes ?, 15h05-15h40

Thibaut Langlois (Le Havre Normandie) – Les quartiers nord du Havre, une périphérie havraise au centre de l’agglomération : un espace en quête de centralité ?, 15h40-16h15

Arnaud Le Marchand (Le Havre Normandie) – Conclusion, 16h15-16h30

Apéritif – temps d’échanges entre doctorants, docteurs, et étudiants de Master.

Résumé de la communication :

D’après Maffesoli (2010), notre société actuelle se situe dans une époque dionysiaque, une époque sociale et imaginaire émotionnelle, en rupture avec notre époque apollinienne de la rationalité. Cette époque dionysiaque est la post-modernité, apparue vers la moitié du 20 ème siècle après la modernité, qui se caractériserait par de l’hédonisme, du tribalisme et du nomadisme (Maffesoli, 1988, 2010). En marketing, Holbrook et Hirschman ont annoncé eux aussi ce tournant hédoniste et émotionnel (1982).

Selon Maffesoli (2010), les individus se rassemblent désormais en tribus autour de passions partagées. L’émotion prime sur le rationnel dans le social, avec des individus qui revêtent  des identités selon les groupes qu’ils rejoignent, des groupes éphémères, tels que des communautés de fans. Cet imaginaire dionysiaque s’inscrit donc dans le partage, avec des groupes aux rapports sociaux horizontaux, dans la confusion, dans un « être ensemble » fusionnel. Cette idée de groupes structurés en tribus par de l’émotion est aussi présente en marketing (Cova et al., 2012). On parle alors de communautés avec un imaginaire de consommation (Bonnin et Odou, 2010 ; Robert-Demontrond et Ozcaglar-Toulouse, 2011). Maffesoli (2010) précise que cet imaginaire dionysiaque est uniquement présent dans ces groupes sociaux, même s’il tend à s’instituer dans notre société. Ces tribus aideraient à la catharsis.

Afin d’appuyer sa pensée, Maffesoli (ibid.) a repris la figure mythique de Dionysos, qui caractériserait l’imaginaire dionysiaque de notre post-modernité, à partir des travaux de Durand et de la théorie des structures anthropologiques de l’imaginaire (1992). Durand prétend que les sociétés reposent sur des structures imaginaires. Elles seraient au nombre de trois : la structure héroïque, la structure mystique, et la structure synthétique. Sur le plan mythologique, la première renvoie à la figure d’Apollon, la seconde à celle de Dionysos, et la troisième à celle d’Hermès. Cette théorie des structures imaginaires nous a servi de grille d’analyse dans l’interprétation de nos données pour une étude de la tribu geek.

Or, lors de notre étude ethnographique (Arnould et Wallendorf, 1994) de cette tribu, où nous avons collecté des données variées (observations, entretiens, photos et vidéos), nous avons observé des représentations avec un imaginaire héroïque, bien que le phénomène de passions partagées soit aussi présent. En effet, on observe une consommation de figures héroïques, et une logique de séparation dans leurs relations sociales. Les geeks sont définis par une double consommation : celle du digital et de la fantasy (Billard, 2013). Leur tribu est un mouvement social qui a acquis le statut de culture de manière récente (Peyron, 2013). Taxée de sous-culture à une certaine période, elle cherche à se légitimer dans la société, ce qui expliquerait cette logique de séparation, de démarcation. On observe des membres qui désirent faire de leurs passions leur vie quotidienne, au-delà de la catharsis, dans leur vie privée et professionnelle. De plus, il y a une primauté de l’objet dans la tribu : le lien social se forme avec l’objet. Selon nous, la relation à l’objet est à analyser sous l’angle du trophée, avec une dimension héroïque : de leur consommation, les geeks tirent des trouvailles qu’ils exposent et partagent entre eux en discutant, comme des trophées. Ils entretiennent ainsi des liens sociaux à travers les objets. On observe par ailleurs de l’individualisme : des geeks nous ont évoqué l’idée de « piocher » ce qui plaît pour en faire « son » propre « univers ». Les geeks s’inscrivent donc dans une structure héroïque avec une logique de séparation entre eux, de revendication individuelle. En somme, nous avons investigué l’imaginaire de cette tribu, qui discute les théories sur l’analyse d’un imaginaire.

 

Bibliographie :

ARNOULD, E. J., & Wallendorf, M. (1994). “Market-oriented ethnography: interpretation building and marketing strategy formulation”, Journal of Marketing Research, 484–504.

BILLARD, V. (2013). Geek philosophie (Hermann). Québec. Paris.: Presses de l’Université Laval.

BONNIN, G., & ODOU, P. (2010). “Les communautés imaginées, un territoire d’action marketing ? Le cas de l’entreprise de rencontre en ligne Meetic”, Recherche et Applications en Marketing, (58), 2735.

COVA, B., KOZINETS, R., & Shankar, A. (2012). Consumer Tribes. Routledge.

DURAND, G. (1992). Les Structures anthropologiques de l’imaginaire: introduction à l’archétypologie générale. Paris: Dunod.

HOLBROOK, M. B., & HIRSCHMAN, E. C. (1982). “The Experiential Aspects of Consumption: Consumer Fantasies, Feelings, and Fun”, Journal of Consumer Research, 9(2), 132140.

MAFFESOLI, M. (2000). Le temps des tribus : le déclin de l’individualisme dans les sociétés postmodernes. Paris: La Table ronde.

MAFFESOLI, M. (2010). L’Ombre de Dionysos : Contribution à une sociologie de l’orgie. Paris: CNRS.

PEYRON, D. (2013). Culture geek. Limoges: FYP EDITIONS.

ROBERT-DEMONTROND,  P.,  &  OZCAGLAR-TOULOUSE,  N.  (2011).  “Les  ambiguïtés  sémantiques  du  commerce  équitable:  micro-mythanalyse  des imaginaires de consommation”, Recherche et Applications en Marketing, 26(4), 5370.

Maïlys Torché, Université de Rouen, NIMEC.
Sciences de Gestion / Marketing.

Accès au texte intégral : Des_tribus_aux_imaginaires_héroïques_Maïlys_Torché

Résumé de la communication :

La découverte de certaines études psychologiques et anthropologiques sur le symbolisme mythologique m’a offert la possibilité d’établir des similitudes, et des différences entre deux figures héroïques clefs du Japon et des États-Unis : le samouraï et le westerner. Ces réflexions théoriques, que j’essaye de développer dans ma thèse afin d’établir une « conscience mythique » (Georges Gusdorf) commune, à la fois partagée et systématique entre l’imaginaire japonais et américain, m’ont ainsi amené à concevoir une réserve d’images universelles, d’archétypes et de symboles, permettant de tisser des « ponts » entre deux cultures a priori très différentes. Ma réflexion se concentre donc sur les figures héroïques présentes dans deux des principaux genres cinématographiques japonais et américains – le film de sabre et le western – qui, sans chercher à écarter les déterminations sociales et historiques propres aux pays, et à une époque circonscrite (les années 1950 par exemple), offre le « portrait » esthétique d’une figure qui apparaît, dès lors, moins nationale que proprement mythologique. Les mythes, quels que soient leur traitement esthétique ou le support de leurs manifestations artistiques, restent une source inépuisable pour toutes les formes d’art. Leur signification symbolique, qu’elle soit d’ordre mythologique ou religieux, greffée sur des faits historiques comme la conquête de l’Ouest (le XIXe siècle) ou les époque japonaises Sengoku (milieu du XVème siècle à la fin XVIème siècle) et Edo (1600-1868), les aurait en quelque sorte préservés d’un oubli mémoriel. Leur signification contient, selon Gaston Bachelard, une « définition du sens éthique de la vie », devenue, pour l’homme, une quête quasi esthétique d’harmonisation : cette fameuse juste mesure propre à « l’idéal grec ». Si les mythes symbolisent autant le sens de la vie, leur thème central se concentre essentiellement autour des désirs de l’homme : soit sous leur forme exaltée, c’est-à-dire perverse, soit sous leur forme harmonieuse, c’est-à-dire sublime. Dès lors, la « mission » de l’homme-héros doit l’amener, par le fonctionnement sain ou malsain de la psyché, à se « maîtriser soi-même », ce qui veut dire combattre son propre « monstre », et à être capable de « maîtriser le monde », autrement dit faire preuve d’élévation spirituelle. Le thème traditionnel de l’Élévation et de la Chute figure ainsi le combat essentiel de l’âme de l’homme-héros, c’est-à-dire l’éternelle opposition entre pervertissement et sublimation, ombre et lumière. De par cette étude spécifique autour du cinéma de John Ford (La Prisonnière du désert) et d’Akira Kurosawa (Les Sept samouraïs), j’aimerais dans le cadre de votre colloque intitulé « Imaginaire(s), représentation(s) en sciences humaines et sociales » pouvoir présenter certains modèles héroïques tout en évoquant mon cheminement théorique – de Gilbert Durand à Paul Diel en passant par Gaston Bachelard, Otto Rank, Carl Jung et Mircea Eliade – afin de justifier l’existence d’une figure héroïque universelle construite, non à partir d’un « monomythe » (Joseph Campbell), mais d’une fonction fabulatrice propre à l’ethos de chaque cinéaste qui, comme moyen d’expression de la conscience mythique, s’irradie en archétypes privilégiés et en symboles. Ainsi, il serait possible de tisser des ponts entre des cinéastes par l’intermédiaire de séquences d’images mettant en scène leur propre figure héroïque, et ce, malgré des origines culturelles éloignées et diverses ; des cinéastes pourvus d’une imagination quasi homonyme qui animerait, encore aujourd’hui, la culture de masse dans laquelle s’inscrit le cinéma de genre, western et film de sabre compris.

Antoine Gaudé, Université de Caen, LASLAR.
ED HMPL, « Histoire, Mémoire, Patrimoine, Langages ».

Antoine Gaudé prépare une thèse sur l’esthétique de la figure du héros dans le film de sabre japonais et dans le western américain des années 1950 sous la direction de Philippe Ortoli (Caen). Ses recherches portent sur l’analyse des mythes (comprise dans des perspectives iconographiques, mais aussi anthropologiques et psychanalytiques) qui structurent et informent deux figures – le samouraï et le westerner – dont l’art cinématographique s’est emparé en les déployant au fil d’une évolution esthétique et narratives permanentes.

Accès au texte intégral : Antoine_Gaudé_John Ford_Akira Kurosawa

Résumé de la communication :

Dès son apparition au début du XXe siècle, le cinéma s’est imposé comme le média privilégié pour diffuser l’information et mettre en scène la fiction. La fascination qu’il exerce sur son public interpelle les états d’Europe Occidentale, qui prennent conscience de la nécessité de contrôler ce nouveau mode de communication. En Espagne, le régime franquiste (1939-1975) décide alors d’intervenir dans le processus de production cinématographique pour promouvoir les nouvelles valeurs défendues par le général Franco. Un important dispositif censorial voit le jour afin de contrôler la diffusion des informations et des idées sur l’ensemble du territoire hispanique. La production cinématographique des années 1940 et 1950 – période d’autarcie et de légitimation de la dictature espagnole – se fait alors le miroir des préoccupations idéologiques du moment, de l’exaltation patriotique à la diffusion de la morale catholique.

Cependant, certains thèmes demeurent exclus du panthéon des valeurs franquistes. Ces silences, imposés par la censure, sont alors révélateurs des craintes du pouvoir. Ainsi, cette communication propose de s’intéresser non pas à ce que reflète l’image cinématographique, mais à ce qu’elle tait.  Elle vise  à analyser l’imaginaire censorial franquiste afin  d’appréhender l’interdit cinématographique. Toutes les coupes, les suppressions et les modifications réalisées par les censeurs constituent des indicateurs précieux  des images et  des représentations bannies par le  nouveau régime. Ces dernières menacent directement l’imaginaire idéologique que le pouvoir cherche à instaurer. A l’aide de sources écrites émanant des commissions de censure, cette communication propose d’analyser les relations que le régime franquiste entretient avec ses interdits et ses seuils de tolérance. Autrement dit, à la lumière des représentations censoriales, cette intervention vise à éclairer une autre facette de l’imaginaire cinématographique franquiste : celui des tabous.

Léa Goret, Université de Caen, C.R.H.Q – UMR 6583. Histoire contemporaine.
Léa Goret réalise une thèse sur la censure cinématographique franquiste, en analysant, plus précisément, les  influences  de l’action  censoriale sur la  réception  cinématographique  durant  le franquisme (1945-1955).

Accès au texte intégral : Lea_Goret_Dans_les_coulisses_censure

Résumé de la communication :

Dans le domaine de la langue, la notion d’image renvoie notamment à l’opposition entre sens propre et sens figuré – opposition à laquelle les lexicographes sont très attachés. Dans la phrase Paul s’est cassé le bras, on considère généralement que le nom bras est employé au sens propre. Mais, quand je dis ça m’a coûté un bras, on parle traditionnellement d’un sens figuré : c’est (espérons-le…) une image !

Cette idée d’un « sens imagé » est souvent associée aux concepts de métaphore (dont on trouve l’origine chez Aristote), de trope (cf. le traité de Du Marsais qui opère, au XVIIIème siècle, le lien entre rhétorique aristotélicienne et tradition grammaticale) et de figure (cf. les travaux de Fontanier pour la langue française du XIXème siècle ainsi que l’ouvrage de Tamba-Mecz, 1981). De nos jours, cette question de l’image reste un enjeu en linguistique. En effet, depuis les travaux fondateurs de Lakoff et Johnson (1980, 1987) sur les métaphores conceptuelles, les tenants de la sémantique cognitive défendent l’idée que l’imagination joue un rôle crucial dans la construction des significations.

Nombreux et variés sont les arguments qui motivent cette approche du sens linguistique. Par exemple, l’étude de l’évolution des significations à travers le temps plaide souvent en faveur d’un sens premier (chronologiquement parlant). Dans le domaine de l’acquisition du langage, on admet généralement que l’enfant s’approprie le sens propre d’un mot (souvent plus concret) avant ses sens figurés (souvent plus abstraits). Sur le plan cognitif, il semble intuitivement probable qu’un des sens du mot soit plus directement accessible (si je prononce le mot bras isolément, à quoi pensez-vous spontanément ?).

Dans le cadre de cette communication, je ne chercherai pas à contester ces arguments (pour une telle critique cf. notamment Planchon, 2014). Je chercherai plutôt à interroger en quoi cette notion de « sens imagé » – aussi nécessaire semble-t-elle à la tradition grammaticale et lexicographique – peut masquer la signification fondamentale du mot.

En effet, à considérer que certains emplois du mot relèvent de son vrai sens (qu’on l’appelle propre, premier, concret, littéral ou même normal) et que d’autres relèvent de l’image (et donc d’un sens « dévié » ; cf. Kleiber, 1994) ne prend-on pas le risque d’ignorer ce que, au fond, le mot « nous dit vraiment » ?

Dans un premier temps, je m’appuierai sur les analyses de quelques linguistes pour défendre l’idée que la notion de sens imagé est, sur le plan heuristique, un outil plutôt décevant (Noailly, 1996 ; Cadiot & Nemo, 1997 ; Legallois & Kwon, 2006). Dans un second temps, en écho à ma recherche en cours consacrée à la polysémie des noms de partie du corps humain, je formulerai quelques observations sur l’adjectif généreux, le nom cœur et le verbe briser avant de conclure sur l’intérêt de s’affranchir de l’obstacle que constitue parfois l’image en linguistique.

Bibliographie

ARISTOTE, 1991, Rhétorique, Paris : Le livre de poche.

ARISTOTE, 1996, Poétique, Paris : Gallimard / tel.

CADIOT PIERRE & FRANÇOIS NEMO, 1997, « Pour une sémiogénèse du nom », Langue française 113, pp. 2434.

DU MARSAIS CÉSAR CHESNEAU, [1730] 2011, Traité des tropes, Paris : Manucius.

FONTANIER PIERRE, [1827 / 1830] 1977, Les figures du discours, Paris : Flammarion / Champs classiques.

JOHNSON MARK, 1987, The body in the mind – the bodily basis of meaning, imagination, and reason , Chicago & London : The University of Chicago Press.

KLEIBER GEORGES, 1994, « Métaphore : le problème de la déviance », Langue française 101, pp. 3556.

LAKOFF GEORGE & MARK JOHNSON, 1980, Metaphors we live by, Chicago & London : The University of Chicago Press.

LEGALLOIS DOMINIQUE & SONG-NIM KWON, 2006, « Sémantique lexicale et examen écologique de la co-occurrence », Cahiers de Lexicologie 89, pp. 143–162.

NOAILLY MICHÈLE, 1996, « Dans le sens du fleuve : syntaxe et polysémie », in Khadiyatoulah Fall, Jean-Marcel Léard & Paul Siblot (éds), Polysémie et construction du sens, Montpellier : Praxiling-Université Paul-Valéry, pp. 25-38.

PLANCHON PHILIPPE, 2014, « Examen critique de quelques arguments avancés en faveur de la valeur première – L’exemple du verbe donner », Congrès mondial de linguistique française – SHS Web of conferences, pp. 3165-3181 [En ligne] Consulté le 2 avril 2016. URL :   http://www.shs-conferences.org.

TAMBA-MECZ IRÈNE, 1981, Le sens figuré, Paris : PUF.

 

Thomas Bertin, Université de Rouen, DySoLa.
Sciences du langage.

 

Accès au texte intégral : Thomas Bertin_Le sens « imagé » en sémantique

Résumé de la communication :

Parallèlement au Grand Tour en Europe réservé à l’élite britannique, le Tour insulaire en Angleterre ne cesse d’attirer les artistes qui admirent les paysages montagneux du Lake District. Dans la deuxième moitié du 18ème siècle, ce territoire situé entre les comtés du Cumberland et du Westmorland devient une visite assumée. Loin des centres urbains, les chemins menant aux montagnes sont peu commodes et même si un sentiment d’insécurité est toujours présent, l’amélioration des routes permet une meilleure accessibilité. Les voyageurs, les artistes et les poètes s’éloignent des fondements académiques. Ils remettent en question la hiérarchie des genres, et la conception de la beauté idéale à travers la représentation des paysages montagneux. A la fin du 18ème siècle, les collines anglaises sont fantasmées en montagnes, l’horreur est délicieuse et le beau devient pittoresque.

Les montagnes anglaises sont décrites dans les guides de voyages et deviennent inséparables du travail artistique. L’observation de la montagne illustre le concept de sublime, l’horreur délicieuse présentée en 1757 par Edmund Burke dans, Recherche philosophique sur l’origine de nos idées du Sublime et du Beau. Puis en 1772, le révérend William Gilpin distingue les montagnes anglaises comme des formes propices à la beauté pittoresque dans Voyage en différentes parties de l’Angleterre et particulièrement dans les Montagnes et sur les Lac du Cumberland et Westmorland contenant des Observations relatives sur les beautés pittoresques. Son étude prend son sens directement au sein du paysage anglais d’après l’observation de la nature comme un tableau. E. Burke et W. Gilpin, contemporains de Joshua Reynolds, n’abolissent pas les règles néo-classiques, ils les transforment en fonction des spécificités de ce paysage où règnent le rude et l’irrégulier. Au 19ème siècle, porté par le débat entre le beau, le beau pittoresque et le sublime, les montagnes anglaises deviennent un sujet artistique. Une fantaisie où les collines sont travaillées en images représentant des montagnes.

L’étude de l’Arcadie italienne, inspirée par les compositions des maîtres italiens du 17ème siècle, entraîne les artistes anglais à fonder leur propre territoire d’Arcadie d’après l’imaginaire des montagnes anglaises. Les montagnes du Lake District deviennent une spécificité du voyage en Angleterre liée à une déambulation physique et mentale, ainsi qu’un désapprentissage artistique. La quête de l’idéal est toujours présente, cependant les représentations visuelles ne se fondent plus sur la sélection et la combinaison des formes parfaites de la nature, mais à l’inverse, sur la sélection et la combinaison des variétés du paysage et de ce qu’il suscite chez le spectateur par une union romantique. Ainsi la forme montagneuse participe en Angleterre à l’éclosion de ce que Serge Lemoine définit comme : « Le sentiment de la montagne ». Jusqu’en 1850 – date qui correspond à un an près à la mort de William Wordsworth et J.M.W Turner – nous observons que l’imaginaire visuel et poétique devient un médium indélébile favorisant la recherche de soi et la poursuite du Divin.

Cybill Whalley, Université Paris 1 Panthéon Sorbonne, HiCSA.
Histoire de l’art contemporain (XIXe siècle).

Accès au texte intégral : Presence_imagination_representation_paysages_Lake_District_C_Whalley

Résumé de la communication :

La règle de droit semble, de plus en plus, pouvoir faire l’objet d’une définition tout à la fois formelle et technicienne. En effet, l’on observe d’une part une tendance au normativisme insufflée au cours du XXe siècle, substantiellement par Hans Kelsen, et d’autre part, une inflation législative, tant perceptible dans les ordres juridiques nationaux qu’internationaux.

Pourtant, il apparaît qu’à son fondement, la règle de droit s’attache essentiellement à un moyen de représentation, c’est-à-dire à l’expression d’une volonté sociale. Ainsi, parmi les sources essentielles du droit français, l’on trouve la loi et la Constitution. La loi est une prescription normative et abstraite, posant une règle de conduite impérative, dont l’adoption requiert la délibération du Parlement, et dont les membres tirent mandat des voix du corps social, précisément pour représenter la nation souveraine. La Constitution peut être entendue, formellement, comme la règle de droit placée au sommet d’un ordre juridique étatique, et qui, d’un point de vue matériel, définit et organise les pouvoirs et relations des organes de l’État, ainsi que les droits et libertés fondamentaux des citoyens. Tant à propos de son adoption que de sa révision, elle suggère l’adhésion de la volonté du corps social, qu’elle vise justement à incarner en droit.

Au vrai, il semble ici que la règle de droit soit donc, avant tout, le moyen de représentation de la volonté du corps social uni, la nation. Ce dernier terme peut lui être abordé sous l’angle de l’imaginaire. En effet, le concept de nation relève davantage d’une construction idéologique que d’une réalité concrète, et s’entend comme un groupement d’individus localisé sur un territoire, mais qui, contrairement au peuple, est uni  par un sentiment d’appartenance commune. La nation, puisqu’elle renvoie à des valeurs conjointes partagées de tous ses membres, procède donc d’une volonté d’existence collective unie. C’est de cette unité qu’émerge une volonté commune que la règle de droit a pour tâche de représenter et de satisfaire.

Ainsi la règle de droit peut-elle être envisagée sous l’angle de la représentation, alors que l’idée de nation s’attache à l’imaginaire social d’un vivre ensemble, exprimé au travers d’une volonté unique. Ces deux concepts manifestent une relation si étroite dans l’histoire constitutionnelle française, que la règle de droit semble finalement être le moyen évident de représentation de cet imaginaire social. Naturellement, l’on doit alors s’interroger sur le fait de savoir si, au-delà de cette apparente cohésion,  la règle de droit peut véritablement s’affirmer comme le mode le plus pertinent de représentation des volontés du corps social ? Dans un premier temps, l’on est amené à répondre par la négative. En effet, les aspirations premières du corps social sont des volontés de liberté, mais aussi de sécurité. Or, lorsqu’il s’agit de donner vie à ces volontés, c’est-à-dire de les représenter concrètement, la règle de droit semble parfois éprouver des difficultés, par exemple lorsqu’elle doit – à la fois – garantir la liberté de réunion et de manifestation, tout en préservant l’ordre public et la sécurité. Ainsi constate-t-on certaines contradictions invitant à mesurer la difficulté de la norme à représenter effectivement des volontés entrant parfois en conflit, suggérant à certains moments  de  limiter  les  libertés  au  nom  d’un  impératif  sécuritaire,  ou,  à  l’inverse,  de privilégier les libertés à l’encontre de la sûreté publique. Dans un second temps pourtant, une cohérence peut être rétablie, grâce à la jurisprudence, qui au travers de sa capacité interprétative, dévoile une capacité d’adaptation temporelle propre à atténuer les apories d’une règle de droit quelquefois trop figée. L’on est alors ici invité à répondre par l’affirmative.

Dans un contexte français troublé, doté d’un état d’urgence justement érigé par le droit, et censé représenter une volonté de sûreté exprimée par la nation, il est intéressant de rechercher, par observation du fondement de la règle de droit, les aspirations variables – sécuritaire ou libérale – d’un imaginaire social souvent insaisissable, et quelques fois compréhensible.

Mamadou Beye, Université du Havre, LexFEIM.
Droit public. Domaine de recherche : droit constitutionnel/ pouvoirs d’exception/ conditions d’applicabilité du droit positif/ jusnaturalisme/ Machiavel/ Schmitt.

Accès au texte intégral : Mamadou Beye La règle de droit et la jurisprudence comme représentations d’un imaginaire social.

Résumé de la communication :

Dans son ouvrage L’Enfant et la vie familiale sous l’Ancien Régime, Philippe Ariès a, non sans raison, contesté l’universalité de la conception moderne de l’enfant. Depuis, des chercheurs de toutes disciplines ont admis que l’enfant est dépourvu d’une identité trans-historique stable. Ainsi, dans son ouvrage Childlove, James Kincaid déclare qu’un « child is not, in itself, anything » et affirme par là que, d’un point de vue constructiviste, l’enfant n’a pas de valeur absolue. Réduit au silence par son étymologie même, l’enfant est investi par chaque époque selon les enjeux sociologiques et idéologiques respectifs. Dans la littérature du XVIIe siècle on peut observer une tendance à repenser l’enfant et ses enjeux de façon originale, ce qui mériterait davantage l’intérêt de la critique littéraire.

Pour analyser la représentation littéraire de l’enfant au sein de cette époque,  il  faudra d’abord revoir la définition de l’enfant à l’âge classique. Celle-ci se révèle beaucoup plus floue que ce n’est le cas de nos jours. S’inscrivant dans la tradition gréco-latine, l’on considère alors que l’absence de la raison constitue une marque fondamentale de l’enfance. Cependant, la conception même du processus de l’acquisition de la raison évolue beaucoup au cours des siècles en question, et avec elle bouge également l’image de l’enfant. l’intégration parfaite des codes de la bienséance constitue un autre critère important pour déterminer le passage à l’âge adulte. Les égarements des passions, les accès de colère, les bouderies sont des puérilités que l’on condamne chez les adultes, mais qu’on pardonne aux enfants. Les moralistes esquissent, de manière globale, une vision assez négative de ceux-ci. Ainsi, étant déjà corrompus par le péché originel et en même temps pas encore rectifiés par une éducation rigide, les enfants sont situés bien en dessous des adultes, souvent comparés aux animaux. Partant de cette représentation peu favorable à l’enfance, on a longtemps conclu que la littérature du XVIIe et du début du XVIIIe siècle n’accordait pas de place à cet être imparfait.

Cependant, une étude attentive révèle non seulement la nécessité de nuancer cette position critique, mais montre, au-delà, que les auteurs des mémoires, des romans et des contes aboutissent à une toute autre représentation de l’enfant, souvent beaucoup plus positive. Dans ces textes, on peut dégager principalement deux démarches. D’une part, les auteurs reproduisent de manière relativement exacte les conditions de vie des enfants, reflétant l’évolution sociale qui accorde à l’enfant une place plus importante. Dans ce contexte, les auteurs ont tendance à excuser certaines actions immatures de leurs héros tout en introduisant une ironie complaisante face aux puérilités du jeune âge. Ceci est d’autant plus vrai dans le cas des romans-mémoires, où le narrateur adopte régulièrement une démarche de justification face à son passé. Alors que dans ces cas, les représentations enfantines servent avant tout à expliquer, voire à justifier l’imperfection du héros, d’autres auteurs réinvestissent les caractéristiques de l’enfance pour leur référer une valeur inédite. En accordant aux enfants le statut de protagoniste, les auteurs prennent la défense de leurs défauts prétendus. Ainsi, l’imagination enfantine peut devenir un moteur important du récit, leurs discours francs et audacieux un moyen de contourner la censure et leur instinct une nouvelle forme de sagesse. En jouant avec les idées reçues sur l’enfance, les auteurs ne donnent pas seulement aux enfants une fonction littéraire essentielle, ils modifient aussi sur le long terme la perception générale du bas âge de l’homme.

Sophia Mehrbrey, Université de Rouen, CEREdI
Lettres modernes, littérature franÇaise XVIIe et XVIIIe siècles.

Accès au texte intégral : Mehrbrey_représentation_enfant_XVIIesiecle.